克莱因永生虚空，超越生命与死亡

在搜索引擎及各类APP上搜索“克莱因蓝”，数以万计的搜索记录将会证明它的存在感。

国际克莱因蓝，这种饱和、明亮、纯粹的蓝色一经发明便成为了时尚的宠儿，得到了众多设计师青睐。它被广泛用于时装、珠宝、家居用品之中，被全世界挂在嘴边，几乎引发了一场蓝色革命。

相较于这狂热的声名，发明者伊夫·克莱因的生平恐怕算得上鲜为人知。如果说他的生命如同一颗自原初的混乱中诞生的明亮彗星，在种种机缘巧合之下冲进了地球的大气层，克莱因蓝便是它的碎块降落而成的陨石，被普罗大众迟钝而新奇地捡拾而起。而他对于精神性、情感和永恒的执着追求才是划过天际的绚烂弧线，惊人的美丽少有人知。

塔森基础艺术丛书的《克莱因》则记录下了瑰丽的景象，引领我走进色彩背后的克莱因美学。

1. 他在职业生涯初期就决定以纯粹的色彩来表达自由流动的感觉，线条和有限轮廓被视为形式和心理方面的感知，被早早地排除在外。而在思考自己的艺术理念时，他的朋友阿尔曼——集成艺术的开创者——主张“充裕”，即现实的财富与物质的丰盈，诗人克劳德选择了文字，克莱因则独具特色地选择了“虚空”，并将天空的无垠当作自己灵感的源泉，确定了“单色”这种艺术形式。色彩依赖于精神的感知，具有独特的性格与灵魂，克莱因细微地感受它们的温柔、暴力、崇高、粗俗、平静……最后选择了蓝色。克莱因蓝作为他心中“蓝色最完美的表达”，成为了一个自主的领域，其两极是无限的距离和当下的存在，在克莱因的美学中被转化成一种非物质的特性，静谧安详、波澜不惊的精神特质。

去感受灵魂，不需要解释，不需要言语，去描绘这种情感——我相信，正是这种情感引导我去画单色画。

2. “空无一物，却充满力量”

单色画与克莱因蓝大获成功之后，伊夫·克莱因开始尝试更多对于情感与非物质的实践和表达。艺术品的创意比实际完成的作品本身更加重要，在这种理念背后，“非物质”为艺术提供了超出可见或有形的事物的可能性。1958年，克莱因在巴黎举办了一场名为“气动时代”的展览，后来更多人称之为“虚空”。虚空作为人生的分水岭，克莱因在这种尝试中完善了自己的理念，他在意的并非是美学问题，而是艺术家的精神立场。问题不再简单地指向物，而是指向作为人的存在，用全部的精神存在去关怀艺术家如何在艺术中体现自我，而观众又该如何越过有形，在开放和自由的无形立场中建立情感共鸣。对于情感之力的真实信赖在有限的物质之外抵达了永恒与超然，正如同浸满蓝色颜料的天然海绵，象征生命节律的缓慢交替，在永恒的智慧之中沉睡。

3. 死亡之于永恒

早年，克莱因曾创造过一部交响曲。这首名为《单音-静默交响曲》的作品以单个振动的音符和长时间的静默为基础创作而成，是一个由有声和无声两部分组成的连续统一体。有限的生命与无垠的永恒似乎是两个相悖的命题，寿数紧紧抓着人类的躯壳，被岁月所困的人们似乎永远也无法真正攥住永恒与超然，无法抛却有形的外在而跃入自由的虚空。而克莱因对于超越个人存在的精神性追求，或许也可以理解为对死亡的持续意识的表达。他的死亡是颇有些戏剧性的。1962年5月，他在戛纳电影节上突发心脏病，之后又经历两次发病，于同年六月因心肌梗塞过世，享年34岁，此时距离新婚不过5个月。在去世前不久，他在日记中写下这么一段话：“现在我想超越艺术——超越情感——超越生命。我想进入虚空。我的生命应该如我1949年的那部交响曲，从始到终都得到解放。它有界限，同时又是永恒的，因为它既